9/11 O COMO LA MODA HA APRENDIDO A CALLAR

POR ANA VASSALLO

A 10 años de la tragedia que azotara al que fuera el centro económico más importante del mundo, el panorama sigue siendo confuso. Después del furor, las mil y una vistas de los ataques y los cientos de reportajes realizados, pareciera que la sociedad y su vocero más inmediato, la moda, hubieran olvidado ya esa mañana de Septiembre.

Culpa de los medios, de la publicidad o resultado de un síndrome de estrés post-traumático, los ciudadanos del  2011 hemos decidido reprimir y dejar atrás los recuerdos del fatídico  11 de Septiembre que pasaría a la historia hace tan sólo 10 años. Para muestra sólo hace falta ver los pocos, quizás escasos esfuerzos que la industria de la moda ha hecho para honrar la memoria de las víctimas, sus familiares y de todos aquellos  que observamos a través  de transmisiones en las distintas cadenas televisivas como “La Meca” del capitalismo fuera destruida con tan sólo 2 aviones comerciales de la línea aérea American Airlines.

Si la moda en las últimas décadas nos ha enseñado algo es a aprender a mirar al pasado. Reinterpretando, adaptando y trayendo de vuelta  la historia es como la moda adquiere su muy necesaria  dosis de inspiración; de tal forma en los pasados treinta años hemos visto como éste sistema ha permitido y contribuido a revivir el espíritu de los revolucionarios años sesentas, los locos veintes o los poco glamorosos ochentas; y a pesar de que esta industria sea fanática de  estos  denominados “come backs”  y sea capaz de convertir casi cualquier evento en un tema de tendencia,  del 11 de Septiembre del 2001 no quiere saber nada.

Sea que estén guardando un celoso luto, o bien que sea demasiado temprano para hablar al respecto, la realidad es que compradores, críticos, cazadores de tendencias y fashionistas parecen padecer un ataque de Alzheimer; nadie quiere recordar, nadie quiere reflexionar.

¿Es que la moda ha llegado a un declive en sus postulados?  Al parecer se han agotado la creatividad, la revolución y el espíritu de protesta que lograron convertir a este sistema en  la industria que es hoy en día.

Lejos quedaron los días en que un  joven Yves Saint Laurent rompiera estereotipos al crear el primer traje sastre diseñado para la mujer,  los días en que una atrevida Mary Quant apoyara la liberación sexual al crear la primera minifalda; hoy se vive un espíritu del consumo por mero consumo.

La moda  se cansó de dirigir cuestionamientos sociales, de incitar a la reflexión; en pleno 2011 los diseñadores presentan colecciones que tienen más que ver con índices de ventas que con una introspección hacia el sentido humano.

Hablamos de una democratización de la moda, hablamos de un mundo global, hablamos de la moda en términos socioculturales y sin embargo, por vez primera, ésta industria poco tiene que decirnos sobre nuestra sociedad y sus convulsiones.

Sobre los ataque sucedidos hace una década, los mejores comentarios que la moda pudo emitir fueron en boca de la top model Naomi Campbell, quien al ser  arrestada por perder los estribos en un aeropuerto en 2008  declaró a la prensa: “ Después de los acontecimientos del 11 de Septiembre nadie puede decir nada en un avión”.

Mal gusto o falta de respeto, lo cierto es que precisamente esta mujer fue la responsable de crear la beneficencia “Fashion for Relief” orientada a apoyar a las víctimas de esta desgracia

A diez años de esa mañana de Septiembre, los culpables del homicidio más publicitado por los medios siguen sin tener un  rostro claro, los nombres de los héroes de ese día se han perdido en el olvido y la moda sigue guardando silencio en el Lincoln Center.

Sou Fujimoto: Final Wooden House Review

Por Ana Vassallo

Mitad casa, mitad área de juegos, en los límites de lo primitivo y lo vanguardista, sólo así se puede describir a la más reciente creación del arquitecto japonés Sou Fujimoto, una bella e inesperada celebración de la conexión entre el hombre y la naturaleza.

Pocos son los proyectos arquitectónicos que logran fascinar al mundo entero y cambiar la forma en que concebimos términos como espacio y funcionalidad. Sin embargo, la denominada  Final Wooden House  ha alcanzado eso y más, creando una obra  que si bien busca contribuir con la preservación del medio, funciona como un elaborado refugio cuya estructura parece ser producto de un juego de niños.

Graduado de la Universidad de Tokio, Japón, el autor de este diseño Sou Fujimoto, pertenece a una nueva generación de arquitectos japoneses quienes buscan replantear lo que significa habitar un espacio en el s.XXI. Destacándose entre sus contemporáneos por el uso de la complejidad como ingrediente principal de sus obras, Fujimoto ha sido ganador de múltiples premios tanto en Japón como en el resto del mundo, siendo Final Wooden House una de sus más aclamadas obras, no sólo por  brindar una nueva perspectiva de lo que la arquitectura es, sino por la preocupación que revela  por conservar nuestro ambiente y por retornar a un estilo de vida más natural, en contacto directo con nuestro medio y donde el uso de materias primas verdes y renovables, tales como la madera, sean principios básicos de nuestra existencia.

Sin puertas, ventanas, escaleras y habitaciones per se, este prototipo habitacional, es  una prueba del eterno retorno de los seres humanos hacia formas de vida más simples, en las cuales menos es más y se apuesta por un diseño que nos ofrezca únicamente aquello que nos resulte indispensable para vivir.

 Para innovar sólo se necesita mirar hacia atrás, tal como demuestra el visionario de esta obra,  Sou Fujimoto, quien al buscar la abolición de  las reglas escritas genera su  propio lenguaje arquitectónico, el cual se expresa en esta inusual  guarida. “Quería crear una modelo vanguardista y pensé que a través de este bungalow, que puede ser considerado como una pequeña y rudimentaria casa, era posible formular una arquitectura a la vez primitiva y simultáneamente, nueva”, afirma el arquitecto.

Ganadora del World Arquitecture Festival, esta ecológica estructura cúbica de cuatro metros de lado ha  tomado por sorpresa al mundo del diseño, ya que ha sido concebida a partir de la más natural de las materias primas, la madera. “La madera, en este caso el cedro, es sorprendentemente versátil. Debido a esta cualidad puede ser usada no solamente en  columnas y vigas, sino en muros exteriores, interiores, techos, pisos, muebles, escaleras y marcos de ventanas. Pensé que si este componente era así de mutable, entonces era posible crear una arquitectura que cumpliera todas las funciones dentro de un solo proceso.”

Si bien el cedro fue un material crucial para poder concebir la  Final Wooden House, la concepción de emplearlo en  la construcción de grandes vigas de distinto tamaño fue lo que dio vida a este proyecto, en el cual el entrecruzamiento de estos bloques de 350 mm  hace posible romper con lo cotidiano y generar una multitud de planos, como el autor de esta obra comenta: “No existen distinciones entre pisos, paredes y techos aquí. Un espacio que fue concebido como piso se transforma en silla, techo y muro desde distintas perspectivas. Los niveles de la casa son relativos y las personas pueden reinterpretar el ambiente de acuerdo al lugar en el que se encuentren. Los espacios no están divididos, sino producidos como resultado de la fusión de elementos.”

Localizado en medio del entorno natural de Kumamoto, Japón, este modelo habitacional verde, además de ser interesante en tanto a su estructura, resulta atractivo debido a la búsqueda de una integración del ambiente exterior con el interior, en la cual los límites entre lo que se encuentra adentro y afuera se desdibujan, permitiendo experimentar una verdadera fusión con la naturaleza, haciendo de esta casa  no sólo una pieza de diseño, sino un ejercicio de comunión con nuestro ambiente natural.

Más allá de revolucionar viejos conceptos arquitectónicos, este desarrollo busca una nueva concepción de lo que una casa debería de ser, replanteando el  uso de materiales amigables con la naturaleza tales como la madera y,  haciéndonos cuestionar si nuestro artificioso y poco ecológicamente consciente estilo de vida es reflejo de un verdadero desarrollo, o, si en realidad, la única manera de avanzar, es retrocediendo un poco.

Lost&Found New Collection

Por Ana Vassallo

Irreverente, fresca, innovadora y con un fuerte mensaje interior, así resulta ser la emergente firma de accesorios “Lost&Found”, cuyas obras hechas a base de creatividad, misticismo y talento, resultan ser bellos y elaborados ornamentos que alimentan no sólo nuestro yo superficial, sino también nuestro ser espiritual. 

Fundada hace poco más de un año por el creativo Luis Delaye, el leit motiv de “Lost&Found”  parece ser el crear  accesorios con algo que contar,  en los cuales la forma tenga tanto peso como el contenido, creando piezas  que logran desenterrar viejas y olvidadas historias que  recuperan la esencia humana,  y nos ligan a un estado más sublime que el de nuestra realidad actual.

Así pues, la semana pasada, teniendo como escenario una de las tiendas emergentes más trendy de la Ciudad de México, la nueva colección de  la firma fue presentada  ante un público ansioso por obtener alguna de éstas piezas únicas.  Entre buena música, un ambiente relajado y mucha pasión, el genio fundador de “Lost&Found”  , Luis Delaye,  recibió uno a uno a sus invitados, exhibiendo sus nuevas creaciones inspiradas en el universo místico de mantras, versos en sánscrito y añejas historias de amor traídas desde Oriente para nuestro placer.

Ésta esperada colección, llena de grandes dosis de aventura, misticismo y poderío, resulta sólo comparable con emprender un viaje espiritual a la India, o escalar las montañas más altas del Tíbet.  Coloridas cuentas, finas cadenas e innovadoras flores reviven exóticas y lejanas narraciones,  a través de profundas oraciones que llaman a despertar a nuestro yo interior. La gama de color, toda en tonos tierra y arena, nos remonta a los más lejanos y áridos desiertos, en los cuales, el brillo aparece como un oasis en  forma de pequeños detalles como cuentas en vivos colores azules, rojos  dorados. La tendencia: cadena, sobre cadena, con cadena. Una colección que apunta hacia lo extravagante, lo inusual y lo que sorprende, proponiendo piezas hipnóticas que nos obsesionan y nos inspiran.

Asimismo, esta  propuesta  no sólo se centra en una temática espiritual,  sino también en el rescate de antiguos objetos, versos perdidos en lenguas muertas, abandonados retazos de sedas, cadenas exóticas, los cuales, a través de grandes dosis de ingenio e imaginación, recobran su esencia en forma de sublimes y delicadas obras que nos acercan a universos remotos y nos acompañan como el mejor de los amuletos de buena suerte.

Y tú, ¿qué esperas  para tener una de estas fabulosas creaciones?

PUNTO IDM FALL/WINTER 11/12

Por Ana Vassallo

Como en un alocado cuento de ficción, el destino tocó a la puerta de Efraín Torner y de Silvia Castrejón, llevándolos a fundar una de las firmas más conceptuales y creativas de la industria de la moda en México : Punto

Formados en el Instituto de Estudios Superiores de Moda, estos creadores mexicanos, de apenas 21 años, han creado un complejo universo que se expresa desde hace ya un año, en elaborados desfiles, que logran impactar al público por la fuerza de sus conceptos, la maestría en la elaboración de sus prendas, y la valentía de proponer nuevos códigos de vestimenta, “siempre manejamos un ambiente futurista y nos preocupamos de renovar nuestros temas, los cuales se reflejan en cada una de las piezas de nuestras colecciones”, asegura Efraín Torner.

En esta ocasión, estos dos jóvenes creadores presentaron su nueva colección para la  plataforma de moda IDM (International Designers Mexico), a través 9 minutos de desfile que representaron los 9 círculos del infierno que nuestra protagonista Elena recorrió escoltada por Virgilio y Dante a través de una colección por la que hasta el mismo diablo haría un trato por conseguir. 

Viciados por una atmósfera intoxicada de música que bien pudo haber sido uno de los cantos de la famosa obra literaria italiana, el desfile fue la representación clara de todo lo que debe de tener un buen desfile de moda: teatralidad, diseño y un fuerte concepto.

La gama de color fue la de los tonos blancos que se fueron ensuciando hasta llegar a los grises y los negros petróleo, los cuales se conjugaron con toques de color como los rojos intensos y los cafés tierra.  Las telas seleccionadas para dar este aventurado paseo por el infierno  fueron una mezcla de sedas, lanas, algodones y un inusual latex, el cual aportó el aire futurista por el cual esta firma es tan conocida.

Las piezas clave de esta colección: Las blusas de encaje, los pantalones zanahoria con pinzas delanteras, los vestidos cortos en telas livianas como la seda, abrigos cortos con aplicaciones de pieles animales, así como una versión renovada de las capas. Todas estas piezas fueron coronadas por elaborados peinados que recreaban los cuernos del diablo, los cuales eran tejidos por tiras negras de tela que se extendían  hasta formar vendajes en la cara de las modelos, reafirmando el concepto oscuro de la colección.

El elemento que más destacó en este desfile fue la fuerte atención a los detalles, representados en aplicaciones hechas a mano en cada una de las prendas, así como  en inusuales accesorios como pulseras creadas en mimbre tejido y collares en acrílico que representaban a gigantes mariposas. 

Sin lugar a dudas, un desfile redondo, bien elaborado y que hubiéramos deseado nunca terminara. Si esto era el infierno, entonces queremos vivir en el. 

Stella McCartney Review

Por Ana Vassallo

Entre el exitoso lanzamiento de su última colección, múltiples colaboraciones con marcas internacionales, y  la creación de una nueva línea de ropa para niños, la diseñadora inglesa Stella McCartney  se encuentra en pleno ascenso, no sólo por crear prendas vanguardistas, sino por su compromiso en ser un agente de cambio. 

Ni su apellido, ni las altas expectativas generadas alrededor de éste pudieron asustar a la joven Stella McCartney en su camino a convertirse en  una de las más audaces, ecológicamente consciente y exitosa diseñadora. Si bien su incursión a la industria de la moda no fue bien visto por todos (el mismísimo Lagerfeld se encargó de cuestionar su talento), Stella nunca dudó de sí misma y de su visión de un mundo mejor donde conceptos como el comercio justo, las propuestas orgánicas y la preservación del medio  son temas centrales en su vida y en su  firma.

Con sudaderas en las que se lee: “Apta para vegetarinos deportivos”, producto de su más reciente colaboración con Adidas, esta creadora  demuestra no tener miedo de expresarse libremente y  defender sus ideales, los cuales han tomado por sorpresa al mundo de la moda, el cual, a pesar de las apariencias, es un universo casado con clásicos métodos de elaboración de  prendas, enamorado de los abrigos de chinchilla  y de los lujosos bolsos de cocodrilo que,  simplemente,  parece no entender por qué Stella se rehúsa a emplear la más de las cotidianas materias primas: el cuero.

Una marca siempre será el reflejo fiel de su creador. Así pues, habiendo crecido en una granja en las afueras de la ciudad, rodeada de animales y con padres vegetarianos, tiene sentido que la firma Stella McCartney esté tan empapada de consciencia ecológica y de mensajes en pro de la vida y la conservación del medio.

Siendo una declarada vegetariana que desde muy pequeña entendió la conexión entre la vida que nos rodea y la propia, Stella posee una visión del mundo muy distinta a la mayoría de los diseñadores actuales, como recientemente declaró a la revista Above:       “Siempre he estado preocupada por la ética personal, y creo que mucha gente aún no me entiende. Siempre ha sido motivo de discusión. Cuando eres vegetariana sientes que debes de  excusarte por ello; es como el hecho de no usar pieles ni cuero en mis colecciones, la respuesta de la industria puede ser muy dura. Yo soy diferente y estoy haciendo cosas distintas lo cual hace que las personas se desconcierten un poco”.

Si bien la actitud de Stella  es motivo de fuertes críticas en la industria de la moda, los hechos hablan más que mil palabras, y cuando entendemos que el proceso de  fabricación de  abrigos de piel consume 20 veces la energía necesaria para elaborar un mismo abrigo hecho a base de fibras naturales o de materiales sintéticos, es entonces cuando vemos las acciones de Stella como algo digno de aplaudir

A pesar de que en términos de moda ecológica, aún queda mucho por hacer , Stella se posiciona como una de nuestras creadoras favoritas al ser una de las pioneras en generar consciencia ética entre sus colegas diseñadores y en educar a los clientes sobre sus hábitos de consumo, en los cuales, entre más verde, mejor.

Review Of Marcos Castro Work

Por Ana Vassallo

Con obras que desnudan el alma y revelan la más profunda esencia de la relación   hombre/ naturaleza,  Marcos Castro nos brinda belleza, delicadeza y nostalgia a través de sus cuadros, reflejo de su aguda y sensible visión de la vida.

De padre y madre pintores, el destino de este joven artista estaba sellado desde el momento de su nacimiento. Su incursión al mundo del arte se dio a muy temprana edad, siendo sus primeros regalos de niño cuadernos de dibujo que lo invitaban a expresarse libremente. “ Ser  artista fue algo que tuve claro desde pequeño. Vengo de una familia de artistas y el arte es un elemento que me ha acompañado siempre”, afirma Marcos.

Si bien toda su vida estuvo en contacto directo con un universo  artístico, fue La Escuela Nacional  de Pintura, Escultura y Grabado  “La Esmeralda”  la que brindó a este creador una nueva perspectiva sobre el  arte, ayudándolo a desarrollar una propia personalidad y lenguaje, en el cual elementos como lobos, zorros, osos y venados forman parte esencial del discurso de este creador,  quien goza de emplear a los animales como representación de las diversas cualidades humanas.

Siendo la acuarela su medio de expresión predilecto, es  la búsqueda constante por entender su propia existencia  lo que inspira el trabajo de Marcos, en el cual trata de descifrar su propia existencia y revelarla a través de cuadros que conjugan lo humano y lo espiritual, impregnando así sus obras con el elemento sublime que les da vida. “Mis obras son una especie de juego, en el cual hablo de mí como persona a un nivel muy íntimo, es una especie de honestidad conmigo mismo”.

De esta forma, Marcos se posiciona hoy día como una  figura clave en la escena del arte contemporáneo mexicano, siendo su sensibilidad artística y su preocupación por la condición humana lo que lo hace destacarse como toda una promesa en el universo emergente del arte mexicano